Vicente Pantoja y su pasión por la fotografía de aves chilenas

Vicente Pantoja es un obsesionado con la fotografía, un autodidacta que se formó acercándose a fotógrafos conocidos y pidiéndoles consejos, recomendaciones, y cualquier conocimiento que le pudiera ayudar a mejorar su arte. El egresado de Ingeniería en Recursos Naturales ha logrado combinar tanto su carrera como su amor por la fotografía, dando a conocer la fauna de nuestro bello país, en particular la gran variedad de aves que tiene el territorio.

Nos cuenta que su padre fue un referente importante en su formación, no solo como persona sino también como artista, llevándolo a museos e inculcándole una visión diferente del mundo. “Varias personas han influenciado de distintas maneras en mi, desde mi padre que cuando yo era chico en vez de llevarme a fantasilandia como los demás niños, me llevaba a museos y exposiciones; hasta ahora que desde que tuve mi primera réflex empecé a acercarme a fotógrafos conocidos para ver como trabajaban y recibir consejos“, comenta.

Las dificultades

La fotografía de naturaleza, la observación de aves y capturar esos bellos momentos en una imagen no es tarea fácil, se necesita no solo capacidad técnica y buen ojo, también una buena cantidad de paciencia y tolerancia a la frustración. No se puede salir una vez y tener la fotografía perfecta, debes saber donde están las aves, conocer sus posibles rutinas y esperar, luego intentarlo muchas veces hasta que resulte la foto esperada.

Pese a las dificultades Vicente ha acumulado una impresionante cantidad de material, que ha comenzado desde hace un tiempo a publicar activamente. “He recorrido gran parte del país haciendo fotos de aves y naturaleza, lo que me ha llevado a tener más de 250 especies de aves registradas, que actualmente yacen en mi computador y un par de discos duros, y más allá de alguna que suba o que me pidan para algún proyecto, las fotos se pierden, se olvidan; por lo que quise darles movimiento, difundirlas entre personas que pueden no saber que existen estas aves, y que muchas veces, están a solo metros de ellos.”

El comienzo

Todo este proceso comenzó hace aproximadamente cuatro años con una fotografía de un picaflor gigante sobre una puya. Vicente se encontró de pronto con la idea de que “existen estos animales, estas flores, y están más cerca de lo que uno cree”, así llego al mundo del “Avistamiento de Aves”, y a conectarse con los miles de personas de aquel mundo tan particular.

Las fotos son parte de mi colección personal, en septiembre de 2013 comenzó mi afición por la fotografía de naturaleza, cuando fotografié un picaflor gigante sobre una puya, y descubrí que existían estos animales, estas flores, y que están más cerca de lo que creía. Luego con los meses y años descubrí que existía algo llamado “Avistamiento de aves” o Birdwatching, y que hay miles de personas en el mundo conectadas por él, y comenzó a fascinarme también

Luego de mucho tiempo, las espectáculares fotografías de Vicente comienzan a ver la luz, dándonos a conocer la variada y maravillosa diversidad de aves de Chile, en toda su amplia exención.

Es cierto que Chile es un medio difícil para el artista en general, en parte porque no hay conciencia de lo que cuesta, por lo que Vicente nos insta a conocer de lo difícil que es la fotografía, y en particular este tipo de capturas. “Voy a decir lo mismo que dicen muchos colegas, la fotografía como muchas artes en Chile no es valorada, los proyectos que requieren fotos siguen asumiendo que conseguirán las fotos gratis y que con solo poner el nombre uno debería sentirse agradecido, no se valoran las horas de estudio, los viajes necesarios, levantarse temprano para llegar al lugar adecuado a la hora adecuada, el equipo, etc.“, reflexiona al finalizar.

Conoce mas de su fotografía en sus diversas redes:

https://www.facebook.com/Vicente-Pantoja-Fotograf%C3%ADas-583812145024844/?ref=bookmarks

https://www.instagram.com/Biovipah/

https://www.flickr.com/photos/biovipah/sets/

 

 

Moises Hasson: el coleccionista de la Sátira Política Chilena

Hace un tiempo se publicó el libro “Sátira Política en Chile”, de NautaColecciones, el cual recoge 150 años de publicaciones satíricas sobre la política en nuestro país.

La sátira es un género periodístico donde el humor, la literatura y el dibujo, se combinan con un objetivo político. Sus primeras expresiones en Chile se remontan a la elección de diputados en 1811, e inicialmente se trató de pasquines y volantes callejeros a través de los cuales partidarios y detractores de la Junta de Gobierno se dedicaban mutuamente versos burlescos. Entre estos destacó La Linterna Mágica, un periódico redactado por Manuel de Salas, que dedicó sus mejores chistes a ridiculizar al caudillo penquista Juan Martínez de Rozas.

Memoria Chilena

En Captura Cultura, tuvimos el placer de conversar con el autor de esta publicación, Moises Hasson, quien nos contó un poco mas de la obra y lo que significa para él.

Moises es ingeniero en informática, es magíster en Ciencias con mención en computación y luego de 25 años de experiencia en el área, continúa dado clases sobre su materia, la cual le apasiona de sobremanera. Pero su carrera y la docencia no son su única pasión, ya que es un concienzudo coleccionista y amante de la historia. Nos cuenta que se ha especializado en la creación más popular, en el PULP, Ciencia Ficción chilena y por supuesto en el cómic y la ilustración, colecciona revistas y libros, e incluso a comienzos de los 80′ publicó un fanzine.

Cuando le preguntamos sobre su motivación para realizar esta obra, nos habla de la importancia de la existencia de este tipo de catálogos, los cuales deben ser interesantes, y sobre todo que destaquen el producto nacional y lo muestren al mundo. “Como coleccionista e investigador valoro mucho la existencia de catálogos, o sea la lista o relación ordenada con algún criterio de libros,documentos, monedas y que generalmente contiene una breve descripción del objeto relacionado y ciertos datos de interés. Y por otro lado desde hace muchos años yo tenía innumerables libros en inglés con la historia de la ciencia-ficción profusamente ilustrados y de formato de gran calidad.  Fue la unión de estos dos elementos que me llevó a hacer este trabajo.  Nadie puede razonablemente coleccionar revistas sin saber cuáles y cuántas revistas se hicieron.  Y por otro lado esa relación debe ser entretenida, informativa. Y claro, la idea es que sirviera para todo el lector. Para el nostálgico, para el que estudia la materia, etc. Y si la recopilación es tan extensa, es porque la historia nuestra en esta materia lo es. Y es importante destacarla y mostrarla al mundo.  Yo dispongo de varias enciclopedias mundiales del cómic y Chile no aparece ni siquiera citado.  Debemos luchar para cambiar eso, para relevar nuestra historia“.

Me gusta mucho Hervi de la época clásica de fines de los 60 y 70. Su formación de arquitecto lo lleva a armar viñetas con mucha amplitud, y muy citadinas. De los más antiguos yo destacaría a Luis Fernando Rojas y Moustache (Julio Bozo). Hoy día destaco a Malaimagen por su asertividad para dar justo en el tema con pocas viñetas.

Todos hemos disfrutado en más de alguna oportunidad con el humor político, con los comentarios de Coco Legrand, antiguamente con Topaze, el Jappening con ja, y más actualmente con Mala Imagen, por nombrar algunos; nos hemos reído e incluso hemos reflexionado al respecto, pero, ¿es posible que este humor cambie nuestras percepciones, que influya en nuestra opinión?. Moises nos da su punto de vista: “Hay variados estudios al respecto, y no hay una respuesta clara. Por ejemplo se ha estudiado con experimentos la posible influencia del humor tipo stand-up comedy en la opinión y pensamiento de las personas respecto a la política.  No hay resultados determinantes.  En general el impacto es limitado, y de corto plazo. Pero –insisto- no hay aún una claridad al respecto. Hay situaciones en que afectados por estas caricaturas las han encontrado degradantes, y siendo personas de poder (por ejemplo presidentes de la república) han usado la fuerza para buscar resarcirse del daño.  Casos hay registrados: Pedro Montt que mandó apalear a un dibujante y a un editor; Alessandri (El Leon de Tarpaca) quien robó y quemó una edición completa de Topaze, etc“.

Sea existente o no esta influencia en el pensamiento popular, sea medible o no, lo que si podemos cuantificar es la rapidez con la que se genera hoy en día material satírico. Antiguamente las publicaciones tomaban semanas, hoy basta esperar un par de minutos y la web está plagada de “memes” ilustrando el suceso político del momento. “Lo que cambia fundamentalmente es el medio. Osea, si esa influencia existiera, se manifiesta de manera semejante, pero en otro envase.  Antiguamente era en los “periódicos de caricatura” (alrededor de 1880) y tomaba semanas.  Luego fueron las revistas (1900-1950) y tomaba días.  Luego fue la radio y la TV, y era de horas.  Ahora con Internet toma minutos, y además la puede hacer cualquiera“, comenta Hasson .

Una Joya incluida en el libro

El trabajo del coleccionista, es de pasión y arduo. Hay que ser un poco de todo, historiador, periodista, hay que atreverse a preguntar y a llamar por teléfono, y posiblemente uno de los grandes sueños de muchos es hacerse con ese “primer número” de la colección que mas les gusta. Moises se acercó bastante, si bien no es el dueño actual, pero al menos pudo poner sus manos sobre el primer número de “Poquita Cosa” e incluirlo en el libro para disfrute de todos nosotros.

Lejos de ser el coleccionista que busca apropiarse de los objetos solo para si, él nos demuestra que a través de la publicación de su libro todos podamos ser parte del disfrute de esta parte de la historia.

He encontrado publicaciones que no habían sido incorporadas en ningún estudio ni recopilación previa, y que –de hecho- solo he conocido ese primer número.  Me refiero a “Poquita Cosa” del año 1921 que pude ver en una librería de libros usados, y cuyo ejemplar solo logre me fuera prestado por el propietario para poder sacar imágenes e incluirlo en el catálogo. No está en la Biblioteca Nacional, por cierto“.

Finalmente reflexionamos sobre qué es lo que se ha satirizado a lo largo de la historia en Chile, y en pocas palabras es el Poder, “La sátira siempre será “al poder”. Quienes detenten el poder serán los sujetos de esta especie de “liberación”que el humor logra producir.  Ahora el cómo se la muestra será sujeto de la época.  Siempre está el contexto,los problemas del momento, las capacidades gráficas del momento, las habilidades de los artistas del momento, y los límites y tabúes que puedan existir en ese momento“. Concluye el coleccionista.

 

 

El compañero y el compañero: El homoerotismo masculino en la obra de Rebeca Matte

Este fin de semana encontré una publicación muy interesante de Gloria Cortés y Eva Cancino sobre un análisis completamente nuevo de la obra que solemos conocer como “Unidos en la Gloria y la Muerte” de Rebecca Matte, escultura que está emplazada en el frontis del Museo de Bellas Artes.

Gloria Cortés

Eva Cancino

Gloria Cortés es Historiadora de Arte, y actualmente se desempeña como curadora del Museo Nacional de Bellas Artes, fue Coordinadora de Archivos del Centro de Documentación de las Artes hasta el año 2008 y jefa de exposiciones del Centro Cultural La Moneda, desempeñándose también como curadora.

Gloria escribe asiduamente sobre historia del arte en Chile y en particular sobre las artistas chilenas a lo largo de la historia, pudiéndose encontrar diversos libros y papers publicados en la página de la Academia del MNBA. Justamente ahí fue donde encontré El compañero y el compañero. La crisis del orden simbólico y el homoerotismo masculino en la obra de Rebeca Matte (1918).

Eva Cancino es Historiadora de Arte y Encargada de Colecciones en el Museo de Arte Popular Americano (MAPA) ademas de ser Investigadora para el Museo Nacional de Bellas Artes.

Resumen.

Unidos en la gloria y en la muerte, obra de la escultora chilena Rebeca Matte, ha sido leída por la historiografía chilena como un homenaje al mito de Ícaro y Dédalo. Sin embargo, a partir del hallazgo de un texto crítico de Joaquín Díaz Garcés en la revista Pacífico Magazine de 1918, es posible establecer nuevas lecturas que no se han realizado dentro de los estudios referentes a la escultora, a pesar de la copiosa literatura disponible.Vincular la obra de Matte con la literatura moderna y el advenimiento de la crisis de la masculinidad europea permite instalar a la artista en un escenario en el que la resignificación genérica se abre como una alternativa a la producción de las mujeres, lo que cuestiona la homonormatividad vigente en los albores del siglo XX.

Gloria y Eva comienzan su paper dándonos contexto sobre la vida de Rebeca Matte, cómo salió de Chile a la joven edad de 15 años con su padre, para vivir en París, Francia. A lo largo de su vida recibió una educación laica, y entre su selección de libros se podía encontrar a filosofía clásica y a Freud, un tipo de educación y lecturas que no eran propias para una mujer según el conservadurismo imperante en aquel entonces en nuestro país. Gracias a su tiempo en el extranjero y a los esfuerzos de su padre por su educación, Rebecca se desarrolló fuera de las costumbres propias de las mujeres chilenas de la época y ajena a muchas de las dificultades que vivían otras artistas que luchaban por estudiar y hacerse un lugar en la escena artística de Chile.

Retrato de Rebeca Matte Bello. Óleo sobre tela de Vittorio Corcos.

Rebeca estudió y se formó como escultora con en Francia y con Giulio Monteverde en Italia, para luego estudiar en la Academia Julian en París, donde pudo estudiar la figura humana al natural, algo que le hubiera sido negado en la escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, ya que la practica estaba solo reservada para los varones.

Sin duda, para los estándares de la época, Rebeca era considerada un ser masculino, su profesión y sus lecturas no correspondían a las de una señora de la élite, sino que contaba con una amplia biblioteca en la que era posible encontrar autores clásicos de la filosofía y al psicoanalista Sigmund Freud, lo que dotaba a la artista de un imaginario que escapaba a las expectativas de la producción femenina en los inicios del siglo xx.

Monumento a la Aviación o Unidos en la Gloria y la Muerte

La obra que analizan las autoras, es una de las mas conocidas de la escultura: la que conocemos como Unidos en la Gloria y la Muerte. La obra original está emplazada en Río de Janeiro, con el texto “Aviadores” a un lado de la base, en la plaza municipal de la ciudad, regalada por el gobierno de Chile, al gobierno brasileño en 1922, en el marco de la celebración del centenario de la nación.

La segunda versión, que es la que mayormente conocemos, esta llegó al museo de Bellas Artes en 1930 como donación del marido de Rebecca luego de la muerte de esta el año anterior. En Chile Crónicas nos cuentan que esta obra fue trabajada por el artista francés Carlos Vignali, quien trabajó en base a los moldes originales, él mismo le dio además ciertos toques personales que no se aprecian en la versión original de Río de Janeiro.

La historia siempre a estado de acuerdo en que la obra esta basada en la tragedia griega de Ícaro y Dédalo, sin embargo, a propósito de una publicación en la revista “Pacifico Magazine”, Gloria hace una lectura completamente nueva sobre el significado e importancia de la obra.

El matrimonio viril, la pareja de batalla, renacida con la invención de las alas humamanas [sic], conductor y artillero; arma de elevación, arma celeste, manejada con una sola voluntad como la doble lanza del joven griego. El compañero y el compañero; no hay en este momento en el mundo vínculo más noble que este pacto silencioso que hace de dos alas una sola rapidez, una sola proeza y una sola muerte. El más secreto estremecimiento del amor no expresado es nada en comparación de ciertas miradas que, en las horas solemnes de la altura, confirman entre los dos hermanos la fidelidad a la idea, la gravedad del propósito, el sacrificio taciturno de mañana. Ahora la muerte, que debía tomar a los dos, no ha recibido sino a uno, contra el pacto contra la oferta, contra la justicia y contra la gloria.
– parte del poema de Gabriele D’Annunzio

La Inspiración real y el Homoerotismo

Encontraron un artículo escrito por Joaquín Díaz Garcés en la revista en el año 1918, en donde habla de un encuentro con Rebecca Matte. Días Garcés afirma entonces que la inspiración viene de un poema de Gabriele D’Annunzio, parte de la novela “Forse che si, forse che no”.

En este punto, la discusión sobre el nombre de la obra parece relevante, pues ésta ha sido considerada como una alegoría a la aviación y también se ha relacionado con la tragedia griega de Dédalo e Ícaro. No obstante, cuando la historiografía del arte en Chile menciona el monumento, frases como “el compañero sujetando al compañero caído” refieren sólo al honor y la gloria militar sin considerar la carga homoerótica en las palabras del italiano. Asimismo, cabe destacar que en Europa, Gabriele D’Annunzio era reconocido no sólo por su escritura, sino también por su postura política y su ejercicio militar, pues era miembro activo de la aviación y conocido en la élite italiana por su estilo de vida hedonista y su liberalidad sexual

Al respecto de la obra podemos decir que nada o muy poco nos puede indicar que efectivamente los protagonistas sean padre e hijo, los cuerpos son similares en edad y en contextura física, musculosos ambos.

Hablan de esta transgresión, la que sugiere la escultura, basada en el poema, desde el punto de vista de la virilidad militar:

Dicha transgresión fue realizada desde la imagen de la virilidad por antonomasia: el mundo marcial, que ha rehuido de forma discursiva al homoerotismo como práctica entre compañeros de armas. El amor aludido en el poema, ese secreto en el campo de batalla, no tiene que ver con una práctica necesariamente activa de la homosexualidad, sino con la ambigüedad erótica que va de la mano de la camaradería; que gozaría de un estatuto moral superior, “noble”, en la proeza aérea narrada por D’Annunzio y que será motivo de obras posteriores, como La grande illusionuna película francesa dirigida en 1937 por Jean Renoi

Así es como Gloria y Eva nos entregan un análisis completamente nuevo, pero que se sobrepone de alguna manera con los temas contingentes de nuestra sociedad, y como el arte recoge dicha realidad y la traduce en un mensaje que viaja en el tiempo y que representa la vida en la cual estamos inmersos, retrata nuestros problemas, visiones y pensamientos colectivos. Ya se a comienzos del 1900 o en pleno 2017.

6

Fotografía de la Semana #6: En las calles de Manhattan

Fotógrafo: Jaime kunstmann
Publicista y Fotógrafo
Lugar: En las calles de Manhattan, Estados Unidos

Jaime actualmente es director de arte, pero se formó profesionalmente como publicista. Trabajó varios años en agencias de publicidad, con grandes cuentas y excelentes clientes, pero por sobre todo, con personas que fueron formando su experiencia como diseñador. Ahí nace su pasión por la fotografía, en la búsqueda de generar contenidos para las marcas. Cansado de deambular por los conocidos “bancos de imágenes”, buscando material para sus clientes, no encontrando exactamente lo que buscaba, decide tomar su cámara y hacerlo él mismo. Un gran proceso de aprendizaje le siguió a esa decisión. Lo años pasaron y ahora tiene con su novia un estudio de fotografía, donde generan contenido digital para diversas marcas.

Paseando por Manhattan, me di cuenta que pasaban muchos aviones por la ciudad en cada momento, y es que paso el 50% del día mirando hacia el cielo, buscando perspectivas, buscando colores azules o admirando la arquitectura de la ciudad, que es maravillosa. Entonces, como todos los días, salí con mi cámara y los edificios ya los había visto al pasar antes por el mismo lugar, dos torres increíbles, de unos 50 pisos o más, justo al frente del Top of Rock, en plena ciudad. Me paré abajo, y comencé a mirar hacia arriba, en los semáforos en rojo lograba escabullirme entre los taxis y tener una vista más central desde el medio de la calle. Habré tomado unas 15 fotos hasta que vi pasar este avión, estaba dando la vuelta hacia la izquierda y logre el ángulo que necesitaba, un bocinazo me alertó del taxi que venía y no estaba dispuesto a parar. Creo que el dolor de cuello me duró eso de una hora luego de estar 25 minutos mirando hacia arriba.

Cuando le preguntamos sobre la similitud entre su foto y la fallida ganadora del pasado concurso de nikon, reconoció que era solo la segunda vez que escuchaba sobre el tema y nos constó su visión al respecto:

Nunca me han gustado los plagios, las comparaciones, ni las “similitudes” en los perfiles de los artistas. En Chile pasa mucho, mucha referencia desde afuera que se transforma en contaminación al trabajo, no hay que caer en eso, debemos buscar la creatividad. Me pasó hace un tiempo con un chico que hizo la práctica en mi estudio de foto: comenzó a hacer las mismas fotografías que yo, por que le gustaba el estilo, pero se cegó. No buscó más allá y se quedo pegado en algo que no sabe hacer.

Conoce más del trabajo de Jaime en su instagram y en la página de su estudio

www.instagram.com/jaimekunstmann

www.palosantoestudio.cl

 

 

Especial de Halloween: El “Arte del Terror” en la pintura

Sin adentrarnos en la historia y los orígenes de la celebración de “Halloween”, y centrándome solo en una de sus características principales: “El Terror y el Miedo”, he querido mostrar una serie de manifestaciones artísticas en torno a estos conceptos horripilantes. Cinco capítulos que mostrarán como diversos artistas nos han manifestado escenarios, personas e ideas que han causado miedo de las más diversas maneras, algunos incluso a tener efectos de pánico en las masas.

En este primer capítulo veremos como la historia de la pintura está plagada de autores que han retratado sus pesadillas, sueños, o simplemente una realidad tétrica del mundo.

 

El Papa (1949) Francis Bacon

El Papa: Es una interpretación del Papa Inocencio X, de Velázquez. Se decía que Francis Bacon disfrutaba pintar después de sus noches de distorsión, y con resaca intentar re organizar el mundo. Bacon admiraba la obra de Velázquez, y convirtió la figura de el “Papa” en el emblema de los horrores cometidos en nombre de la religión a lo largo de la historia. Por eso nos muestra un protagonista absolutamente expresivo, con un rostro huesudo, cadavérico, una imagen realmente fantasmagórica.

 

 

 

Saturno devorando a un hijo (1819-1823) Francisco de Goya
La obra Saturno devorando a un hijo pertenece a la seria Pinturas Negras. La cual muestra al Titán Chronos devorando a uno de sus hijos, según el mito, el titán se comía a sus hijos conforme iban naciendo por miedo a que alguno de estos lo destronara.

Una obra que por su concepción nos habla del miedo, y que además con una imagen horrenda nos muestra un acto macabro de canibalismo, como es el de comerse a su propio hijo.

El tema de Saturno está relacionado, según Freud, con la melancolía y la destrucción, y estos rasgos están presentes en las pinturas negras. Con expresión terrible, Goya nos sitúa ante el horror caníbal de las fauces abiertas, los ojos en blanco, el gigante avejentado y la masa informe del cuerpo sanguinolento del supuesto hijo.El cuadro no solo alude al dios Cronos, que inmutable gobierna el curso del tiempo, sino que también era el rector del séptimo cielo y patrón de los septuagenarios, como lo era ya Goya.

Wikipedia

Judit decapitando a Holofernes (1613) Artemisia Gentileschi
Es una pintura de la italiana Artemisia Gentileschi, muestra una de las escenas del antiguo testamento más representadas en el arte a lo largo de la historia. La composición triangular de la escena es típica del periodo del Renacimiento y mantenida en el Barroco, donde se muestra como Artemisa junto a su criada le cortan el cuello a un general enemigo: Holofernes.

La obra es oscura, y muestra un asesinato a sangre fría, donde la autora lo hace con sus propias manos, con su propia fuerza, no se ve mas que determinación en la expresión del rostro de las perpetradoras, ni un ápice de duda, con una frialdad absolutas.

 

Necronom IV de Hans Rudolf Giger
Es difícil pensar que una criatura así haya salido de la mente de quien haya sido un diseñador de interiores. Pero antes de dedicarse a la pintura, y antes de saltar a la fama en el cine, Hans se dedicaba justamente a eso. Se dice que las pinturas (hechas con aerógrafo) estaba basadas en pesadillas que lo acosaron constantemente. El arte de Necronom IV y otras pinturas similares fueron la base creativa para desarrollar los seres de la saga de peliculas “Alien”, es justo decir que todos los que vimos las películas fuimos presa del miedo que era capaz de generar la historia y las imágenes. De solo mirar la pintura de Hans, incluso sin haber visto las cintas, podemos sentir miedo de la existencia de una criatura así.

 

Pinturas de Zdzislaw Beksinski
El mismo Beksinski calificaba sus pinturas y dibujos de góticos. Marcadamente macabros, oníricos incluso y surrealistas, representan escenarios de muerte, guerra, seres extraños que muchos podríamos interpretar como tenebrosos. Es como ver representada alguna de tus peores pesadillas, donde los monstruos y escenarios que solo ves en tus sueños están ahí, enmarcados.

 

La cara de la guerra (1940) Salvador Dalí
Considerada como una de las obras más impactantes, oscuras y surrealistas de Dalí, fue pintada tras la Guerra Civil Española. La expresión del cráneo decapitado refleja el dolor, el temor, la muerte y el sufrimiento causados la guerra. La obra no solo da miedo en si, sino que también por su concepto, por que despierta los horrores que significa la guerra y la muerte del ser humano.

 

 

Hércules Matando a los Niños atribuida al veronés Alessandro Turchi (1578-1649)

La pintura que actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes, muestra como mata a sus hijos. De grandes proporciones, al mirarla en vivo podemos casi sentir que estamos en presencia del semi dios, aterrorizados por la matanza a los infantes. Podemos ver cómo las mujeres huyen o protegen a los demás niños. Pocas cosas pueden aterrorizarnos mas que la muerte de nuestros propios hijos, o de la maldad de alguien a quien no le importa matar.

Esta escena representa el ataque de locura enviado por la diosa Hera a Hércules. Es en ese momento, que “en medio de la enajenación, el semidiós mata a sus hijos y, probablemente, a dos de sus sobrinos”

– Marianne Wacquez, encargada de Colecciones del MNBA

 

Ilustración de la Torre Entel por Carlos Eulefi
El ilustrador Chileno nos muestra una visión apocalíptica de un Santiago destruido, donde lo único que se ve en pie es la Torre Entel. Un santiago destruido quien sabe por qué catástrofe, no mucho más que un terremoto o un tsunami, que es lo que al parecer estamos acostumbrados, pero no exentos de miedo al respecto por sus devastadoras consecuencias.

 

Compañía “Los Fi” conquista los escenarios con creativa puesta en escena de percusión urbana

La compañía de espectáculos nacional lleva más de 15 años de trayectoria realizando innovadoras puestas en escena de percusión urbana que fusiona música, teatro, movimiento y humor. “Auch!”, su obra principal los ha llevado a recorrer distintos países del mundo. Hoy visitan por cuarta vez Colombia donde realizarán 5 presentaciones.