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El rito cultural contemporaneo que es Rusia 2018, por José Albuccó

El mundial de futbol 2018 ya llegó y parece que nada pueda escapar de su influencia, la publicidad, la televisión, el comercio y una variada gama de entidades se nutren de esta vaca lechera a la que parece no acabarsele nunca su líquido. José Albuccó, académico de la Universidad Silva Henriquez, habla de este rito contemporáneo y como es que a muchos les llega hasta la médula. Su análisis no se queda corto en reflexiones culturales, históricas y incluso artísticas.

Falta algunos días para el solsticio, evento astronómico al cual se le atribuye el inicio del verano o del invierno según el hemisferio donde se habita. Estos acontecimientos celestes marcan momentos simbólicos para la cultura, determinando el día más largo y más corto del año respectivamente.

Los solsticios han sido celebrados desde el origen por los humanos, independiente de su región y o cultura. Sugieren una asociación a la mudanza de estación, tal vez herencia de nuestro pasado neolítico, momento en que el hombre pasó a depender más de la agricultura y de las condiciones climáticas para sobrevivir. Así el carácter universal de esta ceremonia simbólica se ha convertido en un rito que se repite, de forma invariable, de acuerdo a un conjunto de normas ya establecidas.

Cuando estemos en la fase inicial del solsticio, 32 naciones y culturas estarán expresando su diversidad cultural, conviviendo e interactuando entre ellas dentro de un mismo espacio geográfico compartido, Rusia 2018.

Más que un encuentro deportivo o financiero, la Copa Mundial de Fútbol hoy es un rito contemporáneo y donde podremos apreciar las diferentes expresiones culturales propias de cada pueblo, país o región presentes. Para algunos de los asistentes a este ceremonial será el espacio vinculado a la purificación (como el bautismo), la sangre (los sacrificios), la consagración (la investidura), el agradecimiento o el perdón.

Nuestra memoria social está presente en este hito de los tiempos modernos, como una constante que transforma y rehace continuamente cada elemento en una variable repartida entre el espacio y el tiempo.

Desde el 13 de julio de 1930, fecha del Primer Campeonato Mundial de Fútbol, esta celebración deportiva se ha enmarcado en el solsticio, momento en el que se manifiestan los diversos aspectos de la vida material e inmaterial del hombre. En Rusia 2018, se explicitarán y se plasmarán las manifestaciones culturales, religiosas y políticas de cada selección, como viene sucediendo desde hace 88 años.

El afiche de la Copa Mundial Rusia 2018 muestra a un arquero que tiene un significado único de espacio y tiempo para el país organizador del Mundial: Lev Yashin. Este jugador ruso fue el único guardameta en la historia en levantar un Balón de Oro y, como si fuera poco, participó de cuatro grandes competencias en 1958, 1962, 1966 y 1970.  El isotipo de Rusia 2018, imagen identificatoria de esta cita mundialera,  es un balón dividido en dos partes: una pelota de la época del gran portero y la masa terrestre de Rusia vista desde el espacio, que refleja una llave en la exploración espacial. Su creador, Igor Gurovich, señala: “El estilo de los carteles posconstructivistas soviéticos de los años 1920 y 1930, su lenguaje visual único, una nueva y fresca poesía de imágenes figurativas, se convirtió en uno de los elementos más importantes y venerados de la cultura rusa”.

Este momento, además y coincidentemente, nos encuentra en la discusión sobre la propuesta de los científicos de la Universidad Nacional de Investigaciones Nucleares y del Instituto de Astronomía de la Academia de las Ciencias de Rusia, quienes proponen almacenar los objetos del patrimonio cultural universal en la Luna, con el fin de salvarlos de las guerras, el terrorismo y de los desastres naturales e industriales de la Tierra.

Rusia 2018 es más que un juego de balón. Es la expresión de los ritos contemporáneos y la resignificación de los mensajes culturales, en su lenguaje y visualidad de cada nación participante.

vía Patrimonio y Arte

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Columna de Dr. Juan C. Opazo: La Escuela Latinoamericana de Evolución cumple 10 años

Por Dr. Juan C. Opazo Instituto de Ciencias Ambientales y Evolutivas Facultad de Ciencias Universidad Austral de Chile.

La biología evolutiva es una disciplina que ha cambiado la manera en que nosotros los seres humanos entendemos la diversidad de seres vivos presente en nuestro planeta. La evolución entrega respuestas a preguntas tan intuitivas como porqué hay distintos tipos de organismos en el planeta. También nos muestra que todos los seres vivos, incluyendo los seres humanos, se relacionan entre sí a través de ancestros comunes, formando de esta manera el árbol de la vida.

La biología evolutiva es importante también en otras disciplinas. Por ejemplo, en el campo de la medicina fue fundamental conocer conceptos de ancestría y reconstrucción filogenética para identificar la cepa del virus SARS que afectó a China en el año 2002. En la agricultura y ganadería conceptos de genética cuantitativa han sido cruciales en los procesos de domesticación. Conceptos evolutivos también han permeado fuera de la biología. En química conceptos de selección natural han sido usados para mejorar la función de distintas moléculas, mientras que en el campo de la justicia reconstrucciones filogenéticas han sido usadas como pruebas para entender patrones de transmisión de virus entre personas.

Dada la transversalidad de la biología evolutiva, es que a través del tiempo se han realizado distintas celebraciones para conmemorarla. Éstas han estado principalmente relacionadas al natalicio de Charles Darwin (12 de Febrero de 1809), padre de la biología evolutiva, así como a la publicación de su libro On the Origin of Species by Means of Natural Selection, or the Preservation of Favoured Races in the Struggle for Life (24 de Noviembre de 1859), considerado como el trabajo fundacional de la evolución.

En el año 2009, cuando se cumplieron los 200 años del natalicio de Charles Darwin, así como los 150 años de la publicación del origen de las especies, aquí en Sudamérica nació la Escuela Latinoamericana de Evolución (ELAEVO). Esta iniciativa se plantea como un curso internacional dirigido a estudiantes de postgrado que tiene como objetivos principales la enseñanza de la evolución y el fomento de la interacción entre personas que trabajan en la disciplina.

En sus años de existencia la ELAEVO ha organizado cursos bianuales en distintos países de la región (Uruguay, Chile, Argentina, Colombia y Brasil), en donde han asistido estudiantes de distintos países de Centro y Sudamérica y las cuales han contado con el apoyo de las principales agencias y sociedades científicas de los distintos países. En el año 2019 la ELAEVO cumplirá 10 años, lo cual nos llena de alegría no solamente por lo que significa mantener en el tiempo una iniciativa de esta envergadura, sino que también porque a través del tiempo nos está entregando una identidad como región respecto de la disciplina.

Es por lo anterior que para el próximo año el comité académico de la ELAEVO está preparando una reunión conmemorativa la cual tendrá lugar en Uruguay, país que vio nacer esta iniciativa. Así invitamos a todas y todos aquellos que estén interesados en biología evolutiva, especialmente a estudiantes de postgrado, a estar atentos a nuestra próxima celebración.

 

Columna de opinión: Los silencios y desafíos del Día del Patrimonio

Por José Albuccó, académico de la Universidad Católica Silva Henríquez 

Este mayo de 2018 no sólo se celebró una nueva edición del Día del Patrimonio Cultural. Esta vez el aniversario es más significativo, porque se cumplen 20 años desde la instauración de este día, que comenzó en 1999 para luego ser ratificado a través del Decreto 252 del 2 de mayo del 2000.

El Día del Patrimonio Cultural se instituyó como una jornada festiva y reflexiva en torno a la temática. Fiesta que se ha logrado instaurar con éxito año tras año. Así, para este fin de semana, del 26 y 27 de mayo, ya hay alrededor de dos mil iniciativas inscritas. Años luz de las 200 iniciativas de hace 20 años.

Para la mayoría de los chilenos lo más característico del Día del Patrimonio Cultural es la apertura y liberación en el acceso a cientos de edificios históricos y Monumentos Nacionales a lo largo del país. Todo un logro, pero que evidencia que no se ha abordado el segundo aspecto por el cual se creó este día: la reflexión respecto del patrimonio cultural.

Sin duda que, para las autoridades gubernamentales o privadas a cargo, puede resultar obvio o cómodo el enfoque “arquitectónico” del Día del Patrimonio Cultural, lo cual no hace más que profundizar el vacío reflexivo.

Recordemos que, como instancia comunitaria de celebración, el Día del Patrimonio Cultural ha procurado un encuentro real entre las comunidades y las diferentes expresiones que componen el patrimonio del país, incluyendo sus creaciones simbólicas. Así, junto con la fiesta, debiera convivir la otra intención de fondo de esta fecha, la reflexión.

Al abrirse el espacio reflexivo, la comunidad debería apreciar sus valores, tomar conciencia de la  vulnerabilidad de nuestra memoria y  asumir la responsabilidad que nos concierne a todos en su protección. En el futuro se esperaría, por parte de la ciudadanía, un juicio más profundo sobre la integración e interdisciplinariedad del concepto de patrimonio, además del conocimiento de las convenciones nacionales e internacionales vigentes que Chile ha firmado sobre la materia.

Este año, además, tenemos dos elementos complementarios. El primero es que hace tres meses, el 28 de febrero de 2018, fue publicado en el Diario Oficial el Decreto con Fuerza de Ley que dio vida al Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Este organismo está regido por los principios de diversidad cultural, democracia y participación; reconocimiento cultural de los pueblos indígenas; respeto a la libertad de creación y valoración social de creadores y cultores, además del reconocimiento a las culturas territoriales; el respeto a los derechos de cultores y creadores, y la memoria histórica. Sumado a ello, el segundo factor es la ejecución de la Política Nacional de Cultura 2017-2022, cuyo énfasis es “Cultura y Desarrollo Humano”.

Cabe, entonces, preguntarse si el Día del Patrimonio Cultural 2018 será coherente con los principios que orientan al nuevo Ministerio y a la Política Nacional de Cultura; o si se seguirá por la senda del activismo y no del contenido.

¿O pareciera que las autoridades que lideran esta iniciativa no han estado a la altura de la riqueza y oportunidad que ofrece este día para la ciudadanía, para que puedan valorar su memoria con contenido?

Lo cierto es que nuestro país está en una etapa en la que requiere bastante más que la apertura de escenografías de edificios o la visibilización de instituciones públicas o privadas. Lo que necesitamos es una experiencia educativa de calidad, y un Ministerio y Políticas a la altura de este nuevo desafío. Y no sólo por un día del año, sino que por los 365.

Crónicas de un Yogui Urbano: Egocracia

El ego es un fenómeno dentro de nuestra mente, es la causa del karma según las enseñanzas budistas. En este sentido, veo que la actual democracia se ha transformado en una Egocracia, una proyección del ego de todos, del colectivo o del inconsciente, no es casual que los políticos representen personajes a veces extremos, son como espejos de nuestra alma nacional, marionetas del inconsciente, monigotes que nos drenan con sus discursos subliminales, el poder es una herramienta de vampirismo social. No es aventurado pensar que si como sociedad trabajáramos el ego, lo fuéramos puliendo hasta eliminarlo, nuestros políticos serían seres perfectos.

La Egocracia nos empuja a vivir en una sociedad cada vez más mentirosa y materialista, de hecho, los políticos no suelen hablar de la consciencia realmente, más bien hablan de ideas o ideales abstractos que nunca llevan a la práctica… “palabras y más palabras” como dice el protagonista de “El Sacrifico” de Andrei Tarkovski expresando con dolor en su soliloquio… el dinero mueve los hilos de toda decisión actual en la sociedad que vivimos, sea cual sea el color político o tendencia.

Joseph Beuys hablaba de la democracia directa, algo interesante, ya que dejaba de lado o nos hacía notar una gran verdad, la inutilidad de los políticos, realmente pienso que una sociedad madura no necesita políticos o personalidades que nos guíen o decidan por nosotros, creo que la democracia directa puede ser efectuada en un mundo digitalizado, por otro lado para esto es necesario que las personas realmente tengan una visión no egocéntrica, es decir, pensar en el bien común, en el bienestar del otro y no en el envidiar lo que el otro tiene o sufrir si el otro tiene éxito, ser competitivo realmente es un problema egótico.

Claramente vivimos en una sociedad que vive en función del ego, las selfies son un ejemplo patético de esa necesidad, de esas carencias emocionales, ya que si lo analizamos desde una óptica espiritual o consciente, no tiene mucho sentido  tener la obsesión de realizar fotografía de sí mismo, como si fuera una religión de autoafirmación, cuando lo menos importante es cómo nos vemos, lo más importante como seres humanos es lo que hacemos y cuando lo hacemos para los otros, para beneficiar y conectar con el colectivo de manera positiva, armónica y creativa.

Existe dentro del budismo una oración llamada Metta, si los políticos siguieran estos principios en serio, de verdad creo que las idealogías sobrarían, es más simple la vida, no hay que caer en el error de la sobreintelectualidad para regir la sociedad, el engaño está en cada cosa que es oficial, es importante despertar y regir nuestras vidas con autonomía y compasión.

 

ORACIÓN METTA

Que todos los seres sean felices, alegres y realizados.

Que todos los seres sean sanados y plenos.

Que todos puedan poseer lo que desean y necesitan.

Que todos sean protegidos de daño y libres de temor.

Que todos los seres gocen de la paz y tranquilidad interior.

Que todos sean despertados, liberados y libres.

Que haya paz en este mundo y en todo el universo.

 

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Columna: ¿Qué tienen que decir los candidatos presidenciales en Cultura?

Con vista a las próximas elecciones presidenciales de este domingo 19 de noviembre, he querido hacer un pequeño resumen de los puntos más relevantes que toca cada candidato en sus propuestas con respecto a las Artes y la Cultura para nuestro país.

Leyendo los documentos publicados en los sitios de cada uno de los postulantes a La Moneda, he tratado de resumir lo mejor posible sobre qué es lo que cada uno de ellos busca y propone.

En general encontramos varios puntos comunes, como por ejemplo, que todos están de acuerdo en que existe una gran centralización de la cultura y que esta situación no debe continuar, por  lo que  proponen diversas estrategias para impulsar el empoderamiento de las regiones en cuanto a la agenda cultural, gestión de eventos y oportunidades para los artistas en todas su áreas. Otro punto sobre el que parece existir consenso es el que respecta a una mayor difusión de la literatura, y la facilitación tanto de espacios y libros. Varios, incluso, abogan por la creación de una Editorial Nacional.

El último factor importante en el que casi todos parecen converger es en la necesidad de que el presupuesto dedicado a la cultura sea al menos el doble de lo que se destina actualmente.

Espero que esta lectura los ayude a ilustrarse un poco más sobre cada candidato y los motive a seguir informándose sobre sus propuestas. Los debates, la lectura de los programas, la atención a sus declaraciones  y el estudio de la historia de cada uno de ellos, son puntos fundamentales a tener en cuenta a la hora de tomar una decisión, para que, independiente de la preferencia, exista un incentivo importante para ir votar y expresar a través de este mecanismo el apoyo o descontento con las opciones.

Alejandro Guiller

“El Derecho a la Cultura”

Dentro de las propuestas más destacadas se encuentran el subir el presupuesto de la cultura del 0,4% actual a un 1%, duplicar el porcentaje que el Fondo Nacional de Desarrollo Regional destina a la cultura, elevándolo hasta alcanzar el 4% y la creación de la Secretaría Ejecutiva de la Educación Artistica.

La descentralización de la cultura, ampliar los fondos tanto nacionales como regionales y fortalecer tanto la industria creativa como mejorar la educación artistica son los pilares de sus propuestas.

En términos de educación y arte se propone la creación de una red pública de liceos artísticos, en todas las regiones.

Alejandro Navarro

Posiblemente el candidato que menos espacio le dedica a la Cultura en su documento de propuestas. En términos generales habla de la creación y fomentos de ordenanzas municipales para promover el uso del espacio publico para todas las manifestaciones culturales, estimular a los gobiernos regionales para el desarrollo de actividades culturales y la modificación de la Ley de Propiedad Intelectual para extender los derechos a los pueblos indígenas y su propiedad intelectual.

También habla de que existirá para 2022 una editorial nacional. Un punto distintivo es el apoyo a los municipios con sus planes reguladores para la incorporación de obras de arte en espacio público.

Beatriz Sanchez 

“Mas Cultura para Cambiar Chile”

Utilizar hasta el 2% del patrimonio fiscal para recursos públicos culturales, Reducir el IVA en la producción cultural, la creación de Departamentos de Cultura Municipal y mejorar la institucionalidad de las escuelas artísticas son las propuestas mas destacadas de Beatriz.

Sus puntos se centran principalmente en que la cultura sea un bien común, la descentralización las mejoras de las condiciones laborales de los trabajadores de la cultura, el fomento a la educación y una participación mas activa de las artes en los colegios.

También hace bastante hincapié en a protección y la difusión del patrimonio cultural, mediante la creación de una nueva Ley del Patrimonio Tangible e Intagible, la que vendría a sumarse a las leyes de patrimonio actuales-. De igual manera se impulsaría un fomento a la lectura

Con respecto a estos puntos propone la creación de Departamentos de Cultura en cada municipio, los cuales serían directamente financiados por el ministerio. Los Concejos territoriales serian otra nueva creación, autónomos y vinculados a las agrupaciones culturales de la comuna.

Una arista poco tocada (por los otros candidatos) es la que respecta a los derechos de los trabajadores de la cultural, es decir, en términos generales, de los artistas. La acción mas representativa sería la modificación de la Ley 19.889 de Trabajadores de Artes y Espectáculos en 4 aspectos principales, como lo son la formalización de los aspectos laborales, obligatoriedad de remuneraciones, mejores normas de seguridad y derechos sociales como licencias por enfermedad.

Derechos de autor, finanzas

Carolina Goic

“Cultura, Alma de Chile”

Partiendo su documentos de propuestas culturales, Carolina Goic cita a Gabriela Mistra: “Lo que el alma hace por su cuerpo, el artista lo hace por su pueblo”, con este punto de partida comienza un reflexión sobre como al arte y quienes lo hacen representan el alma de nuestro país y la importancia que por ellos tienen.

Utilizando las reflexiones de Mistral y Violeta parra propone una visión cultural que apunte al largo plazo, y no a los éxitos simplemente inmediatos, si no que a un fortalecimiento que vaya mas allá.

Así es como las intenciones para la cultura se separan en tres grandes puntos: La cultura en la vida cotidiana, la poesía como el alma de la cultura y el fortalecimiento de la cultura como un todo.

De forma general, en el primer punto se habla del incentivo a la lectura, la creación de programas escolares y creación de orquestas a nivel nacional, todo enmarcado en una política de fortalecer la descentralización.

La creación de un Centro de Estudios Poéticos encabeza la segunda sección, con responsabilidades tales como la de propiciar festivales o recitales de poesía y en la recuperación de la poesía popular, entendiendo la poesía como un hito fundamental en la cultura chilena que debe ser engrosado.

Finalmente el Fortalecimiento de la cultura se refiere a reestructurar el FONDART para entre otras cosas, flexibilizar e diversificar las postulaciones, lo que va de la manos con una descentralizacion de la ley de donaciones culturales. Se refiere también a la revitalización de las bibliotecas publicas, los museos y a la creación de una proyecto de Ley de Tradiciones Artesanales con el objeto de proteger dichas tradiciones.

Eduardo Artés

Lamentablemente no encontré algún documento o artículo que se refiriera a las propuestas culturales del profesor oriundo de El Tambo. Algunas de sus lineamientos generales se pueden revisar en este artículo en emol

Marco Enriquez Ominami

“Cultura: el pilar fundamental de toda construcción de identidad”

La creación , la difusión, la formación y el acceso a la cultura y las artes, son los pilares en los que se cimientan las propuestas (y también el evidenciamiento de falencias actuales) las cuales se basan en el pensamiento de que la política cultural debe ser primero para os ciudadanos y luego para los artistas.

Al igual que otros candidatos, propone subir el presupuesto anual dedicado a la cultura, hasta alcanzar el 1% en un periodo de 4 años. Con respecto a lo que tiene que ver con el financiamiento y el fomento de las artes primero enumera algunos problemas fundamentales que pretende solucionar: no siempre se distingue entre las artes, no hay diferenciación entre los tipos de proyectos, si son educacionales o experimentales por ejemplos, y suelen tener una visión utilitarista y de mercado sobre la estética.

También enumera las problemáticas actuales respecto de los museos, partiendo con la escasez y precariedad de los mismos. No cuentan con fondos permanentes, no tienen libertad editorial, y no cuentan con departamentos de adquisición que les permitan renovar su catálogo

En materia de Libros el punto que mas resalta es el de la reducción de IVA al 5% y la legislación en favor del Precio Único, entendiendo que un libro no es un bien cualquiera, y no debiese estar sujeto a los vaivenes de la oferta y la demanda.

Finalmente propone la evaluación de la creación de una Editorial Nacional y la creación de una Tarjeta de Profesor que le permita a cada docente adquirir 5 libros anuales gratuitamente.

 

Sebastián Piñera

“Cultura para Todos”

Buscando ampliar el acceso de las personas a la cultura y las posibilidades para los artistas las propuestas se clasifican en 5 grande temas: Descentralización, El arte, la creatividad y la educación, los artistas, el patrimonio y el nuevo ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio.

Dentro de las propuestas mas destacadas se encuentra la de conectar mediante fibra óptica la red nacional de espacios culturales, para su coordinación y compartir información, ampliar los horarios de atención de espacios públicos y reconocer escuelas artísticas junto a la creación de un Liceo Artístico de Excelencia en las regiones.

En cuanto a la inclusión del arte en la educación se buscará incorporar la formación artística en todas las etapas de la educación escolar.

También se propone simplificar las postulaciones a fondos y crear un sistema de postulación único abierto todo el año.

 

Es nuestro derecho el poder ejercer nuestro voto, pero ese derecho viene con una responsabilidad asociada, que es la de informarnos, de reflexionar sobre las propuestas y los candidatos, sin importar por quién votes, y cuál sea tu decisión, lo importante, lo reitero es ir a votar y ser parte de un cambio.

El poder está en tus manos, no solo la cultura la hacemos entre todos, la política también.

Especial: “Arte del Terror en la Literatura”

Siguiendo con la 4ta entrega de nuestro Especial de Halloween: Arte del Terro en el Arte, ya hemos revisado el terror onírico de la pintura, el horror de la vida real con la Fotografía, y las perturbadoras creaciones de algunos escultores.

Ahora le toca el turno a la literatura, tal vez una de las ramas más populares del arte en cuanto a terror se refiere, abundan las listas sobre las “10 mejores novelas de terror” y la verdad es que la mayoría de nosotros hemos escuchados nombres como Edgar Allan Poe, H. P. Lovecraft y Stephen King, por nombrar a los más connotados, y con razón que lo son, por lo que en este capítulo no me centraré una lista de novelas que seguramente todos conocen, si no que realizaré un breve repaso sobre el nacimiento de la literatura de terror, posiblemente la inspiración para el resto de las demás manifestaciones artísticas que buscan infundir miedo. ¿Cual fue el primer libro de terror?, ¿por qué daba miedo leer sobre vampiros y castillos encantados? ahora los zombies no asustan, en realidad muchos esperan con ansias un apocalipsis zombie para poder salir con una escopeta o un bat de beisbol a matar sin sentimiento de culpa, ¿qué es lo que da miedo entonces?

Primera página de “El Castillo de Otranto”

Narrativa Gótica

Comencemos por el principio, antes de la Literatura de Terror, existió lo que se conoce como Narrativa Gótica, siendo su primer expositor el libro El Castillo de Otranto”, ambientado justamente en un castillo gótico sobre el cual pesa una horrible maldición. El libro, publicado en 1764, catapultó el género que fue muy popular sobre todo durante el siglo XVIII y el siglo XIX. En aquella época no existía el cable, ni los efectos especiales del cine que ahora conocemos tan bien como se hacen, por documentales o videos de Youtube, sabes que no existen cosas como las maldiciones y las casas embrujadas, pero para una persona de 1700 o 1800 eran cosas que podían considerarse cotidianas, en una época en que lo paranormal caminada de la mano con lo mundano, ya sea por creencias religiosas, por una cierta ignorancia educacional y científica, era bastante “fácil” escribir un libro ambientado en un antiguos castillo, cargado de cierta atmósfera sobrenatural y simplemente asustar al lector al evocar esas imágenes tétricas.

El Terror Psicológico

Si antes el terror se centraba en la ambientación y los monstruos para producir miedo en los lectores, el siglo XIX trajo consigo un nuevo paradigma en el género, de la pluma, primero de Sheridan Le Fanu y posteriormente con Edgar Alla Poe llegó no solo la ambientación, si no que la generación de angustia interna en quienes leían sus relatos.

Hasta el día de hoy se pueden leer los relatos de Poe, los de Lovecraft, y por supuesto los de Stephen King y sentir angustia, cierto temor e incluso miedo, al punto de tener que encender todas las luces de la casa, ya que dichos autores no dependen tanto de fantasmas y monstruos -que si bien aparecen en algunos- si no mas bien de suspenso generado por la propia lectura de sus historias.

La actualidad

En la actualidad el genero comienza a abarcar temáticas mucho mas diversas que las de la “simple” sobrenaturalidad, y se diversifica a los temores que pueden significar angustia en el día a día del siglo XXI, así es como la Guerra Nuclear, los desastres financieros, plagas de súper virus, manipulación genética o bombas biológicas y ataques terroristas son los nuevos temas de la actual literatura del terror. Los libros de Michael Crichton, catalogados como Tecno Thriller, son un buen ejemplo de esta nueva narrativa del miedo, en donde nos sentimos temerosos de los avances de la tecnología y de lo que puede suponer para desastres a nivel global.

¿A qué le temes tú?

 

 

 

 

Especial de Halloween: “Arte del Terror en la Fotografía”

Siguiendo con este Especial de Halloween en el Arte del Terror, hoy revisaremos la fotografía. En el caso de la pintura -que fue el tema de la publicación de ayer- esta tiene la particularidad de que podemos dejar fluir nuestra imaginación, dar rienda suelta a nuestros sueños y miedos mas subjetivos. Si bien la fotografía también tiene la capacidad de ser surrealista, es más conocida por retratar la verdad, lo que realmente está sucediendo. Y muchas veces la realidad es peor que cualquier ficción o pesadilla.

Los Jinetes del apocalipsis, son a todas luces conocidos por traer los peores aspectos de la raza humana, y serán estos los que nos acompañaran en este viaje de terror por la historia de la fotografía.

El Jinete de la Guerra

Cuando abrió el segundo sello, oí al segundo ser viviente que decía: “Ven”. Entonces salió otro caballo, rojo; al que lo montaba se le concedió quitar de la tierra la paz para que se degollaran unos a otros; se le dio una espada grande.

– Apocalipsis 6, 3-4

Uno de los primeros fotógrafos de guerra es Felix Beato y uno de los primeros en captar imágenes en medio oriente.

Fotografiando desde 1851, año en que se cree compró su primera cámara en París, se dedicó a viajar junto con su socio James Robertson, fotografiando en Grecia y Jerusalen.

En 1858 fue cuando llegó a registrar las consecuencias de la Rebelión de inda que había sucedido un año antes.

Viajó por Egipto, la India, y llegó tan lejos como China donde documentó la Segunda Guerra del Opio, fotografiando la campaña militar mientras se desarrollaba.

 

Felix Beato podrá haber sido uno de los primeros fotógrafos de guerra, pero el título de “padre de la fotografía de guerra” indudablemente que es de Robert Capa. Toda su visión sobre la fotografía de conflicto queda reflejada en su célebre frase “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente“. Capa se caracterizaba por estar en el centro del conflicto, en el momento en que sucedía, mientras que otros fotografiaban desde lejos, o simplemente esperaban que los eventos terminasen para poder retratar los efectos de la Guerra, Capa estaba en la vanguardia, entre las balas, literalmente.

La Playa de de Omaha fue uno de los puntos de desembarco del Día D, una brutal matanza y sangrienta tragedia producto de la fuerte oposición. El soldado que aparece en la fotografía se trata de resguardar del fuego enemigo, mientras Capa, al parecer de pie y entre el fuego cruzado se las arregla para tomar una foto donde, con el precario equipo, sale enfocada la cara y el rostro del soldado, quien posiblemente temía por su vida.

 

El Heredero de Capa bien puede ser James Natchwey, quien ha seguido la máxima de Capa de fotografía de cerca. En sus propias palabras dice en la página principal de su sitio web:

I have been a witness, and these pictures are
my testimony. The events I have recorded should
not be forgotten and must not be repeated

“He sido un testigo, y estas fotografías son mi testimonio. Los eventos que he registrado no deberían ser olvidados y no deben ser repetidos”
La Guerra es sobre todo sinónimo de sufrimiento, y Natchwey sin duda ha sido testigo de esto, y nos ha hecho a todos partícipes de este dolor, al mostrarnos lo que ha visto a través del lente de su cámara.

Se puede ver mucho mas de su forma de fotografíar y su manera de pensar al respecto en el documental War Photographer

 

Santiago Lyon es uno de los ganador del prestigioso World Press Photo, en los años 1998 y 1999.

Personas tratando de abandonar el país son aterrorizadas por un hombre armado que dispara sobre sus cabezas. Cuando mas de la mitad de la población de albania pierde sus inversiones de alto riesgo al inicio del año, vuelcan su ira contra las autoridades

World Press Photo

 

 

El Jinete del Hambre

Cuando abrió el tercer sello, oí al tercer ser viviente, que decía: “Ven”. Miré, y vi un caballo negro. El que lo montaba tenía una balanza en la mano.

– Apocalipsis 6, 5

Y oí una voz de en medio de los cuatro seres vivientes, que decía: «Dos libras de trigo por un denario y seis libras de cebada por un denario, pero no dañes el aceite ni el vino»

– Apocalipsis 6, 6

Kevin Carter se hizo famoso por una fotografía que lo llevó a sufrir las mas amargas críticas, problemas a los cuales se le sumaron la muerte de un amigo, las drogas y problemas familiares, que finalmente lo llevaron al suicidio.

La fotografía del niño y el buitre fue tomada en 1993, con la cual ganó el Pulitzer.

Por aquel entonces un niño famélico (llamado Kong), se encontraba muriendo a las afueras de su poblado y un buitre estaba al acecho. Carter, que observó la escena, lo fotografió. Esperó para tomar una foto mejor: con el buitre abriendo sus alas, pero no lo consiguió. Según él, consiguió recuperarse y continuar con su camino[…]La opinión pública entendió la foto como una alegoría de lo que sucedía en Sudán: Kong era el problema del hambre y la pobreza, el buitre era el capitalismo y Carter era la indiferencia del resto de la sociedad. La crítica se cernió contra él e intentó justificarse, alegando que el niño estaba muriendo y que la tribu se encontraba a unos 20 metros de el esperando su ración de comida. El niño murió por fiebre —dicho por su padre— en 2007“.

Werner Bishop quien fuese miembro de Magnum Photos (Agencia que fundó Robert Capa, junto a otros grandes), es conocido por su trabajo “Hambre en la India”

Muchos seguramente nos hemos saltado el almuerzo alguna vez, o nos hemos quedado sin tomar desayuno por salir apurados, o tuvimos hambre por un día particularmente largo. ¿Pero alguno ha experimentado realmente el hambre de días, el sentírse famélico, el desfallecer porque tu cuerpo no puede funcionar apropiadamente por falta de alimento?. Todas sensaciones que buscaba transmitir Bishop con su fotografía, y que realmente no podemos imaginar a no ser que hayamos vivido y experimentado en carne propia.

 

El Jinete de la Muerte

Cuando abrió el cuarto sello, oí la voz del cuarto ser viviente que decía: “Ven”.
Miré, y vi un caballo bayo. El que lo montaba tenía por nombre Muerte, y el Hades lo seguía: y les fue dada potestad sobre la cuarta parte de la tierra, para matar con espada, con hambre, con mortandad y con las fieras de la tierra.

Apocalipsis 6, 7-8

La Muerte es de las cosas que mas nos asusta en la vida, seamos creyentes o no, pensar en la incertidumbre, la inexistencia de conciencia, el fallecimientos de los seres queridos, de nuestra familia, amigos o simplemente de las grandes poblaciones a lo largo del mundo, ya sea por la guerra, el hambre, la avaricia o la despreocupación.

Es cierto que es uno de los aspectos mas tenebrosos de nuestra vida, pero también es cierto que muchos se las “han arreglado” para ver el lado mas amable de la muerte, el mas bello e incluso el mas poético.

Los capítulos Vida y Muerte de la serie Tales By Ligth, nos muestran al fotógrafo Stephen Dupont, que luego de una larga carrera como fotógrafo de conflicto se pregunta si alguna vez volverá a ver la Vida y la Muerte de la misma manera. Reflexiona sobre como los seres humanos somos excelentes en destruir el planeta y en destruirnos a nosotros mismo. Al mismo tiempo, luego de una vida de mirar la Muerte de cerca y sus horrores, se pregunta si no existe una muerte mas digna, mas bella incluso. En su búsqueda llega a Varanasi, India, La ciudad de la luz, el lugar mas sagrado en la tierra para los Hindus. Para un Hindu, morir en Varanasi es el ultimo camino a la iluminación.

La fotografía Mortuoria en la época victoriana, tuvo un gran auge en Europa, llegando hasta latinoamérica, incluso hasta Chile. La práctica consistía en fotografiar al cuerpo fallecido para recordarlo, a modo de homenaje, muchas veces fotografiado junto a sus familiares aun vivos. Particularmente emotivas nos pueden parecer las fotos de los llamados “Angelitos”

El niño muerto fue objeto de culto en las diferentes culturas desde la antigüedad. El culto varía dependiendo de la época y la cultura de que se trate. Se les enterraba con juguetes u objetos de uso cotidiano. En la Europa medieval, además de monumentos funerarios se colocaban epitafios con notas biográficas y frases que expresaban la pesadumbre y el deseo de perpetuar la memoria del niño muerto, invitándolo a tomar su lugar en el coro de ángeles. Por eso a las fotografías post mortem de niños, a partir del siglo XIX se les llamó de “angelitos”.

Wikipedia

 

 

El Jinete de la Victoria

Cuando abrió el primer sello, oí al primer ser viviente, que decía: Ven. Miré y vi un caballo blanco, y el que montaba sobre él tenía un arco, y le fue dada una corona, y salió vencedor, y para vencer.

Apocalipsis 6, 2

Dejo el primer jinete para el final y así terminar con una reflexión, La fotografía nos puede mostrar el lado mas horrendo de la muerte, o también el mas digno, pero finalmente todos estos fotógrafos buscan lo mismo, el mostrarnos lo que sucede en otras latitudes del planeta, y que así podamos tomar conciencia, conciencia de la fragilidad de nosotros mismos, de la fragilidad del ser humano, de la fragilidad de la propia vida, la cual debemos valorar. Buscaban que al final de día el hombre pueda salir victorioso y darse cuenta de sus errores, aprender y seguir adelante con éxito.

 

 

El compañero y el compañero: El homoerotismo masculino en la obra de Rebeca Matte

Este fin de semana encontré una publicación muy interesante de Gloria Cortés y Eva Cancino sobre un análisis completamente nuevo de la obra que solemos conocer como “Unidos en la Gloria y la Muerte” de Rebecca Matte, escultura que está emplazada en el frontis del Museo de Bellas Artes.

Gloria Cortés

Eva Cancino

Gloria Cortés es Historiadora de Arte, y actualmente se desempeña como curadora del Museo Nacional de Bellas Artes, fue Coordinadora de Archivos del Centro de Documentación de las Artes hasta el año 2008 y jefa de exposiciones del Centro Cultural La Moneda, desempeñándose también como curadora.

Gloria escribe asiduamente sobre historia del arte en Chile y en particular sobre las artistas chilenas a lo largo de la historia, pudiéndose encontrar diversos libros y papers publicados en la página de la Academia del MNBA. Justamente ahí fue donde encontré El compañero y el compañero. La crisis del orden simbólico y el homoerotismo masculino en la obra de Rebeca Matte (1918).

Eva Cancino es Historiadora de Arte y Encargada de Colecciones en el Museo de Arte Popular Americano (MAPA) ademas de ser Investigadora para el Museo Nacional de Bellas Artes.

Resumen.

Unidos en la gloria y en la muerte, obra de la escultora chilena Rebeca Matte, ha sido leída por la historiografía chilena como un homenaje al mito de Ícaro y Dédalo. Sin embargo, a partir del hallazgo de un texto crítico de Joaquín Díaz Garcés en la revista Pacífico Magazine de 1918, es posible establecer nuevas lecturas que no se han realizado dentro de los estudios referentes a la escultora, a pesar de la copiosa literatura disponible.Vincular la obra de Matte con la literatura moderna y el advenimiento de la crisis de la masculinidad europea permite instalar a la artista en un escenario en el que la resignificación genérica se abre como una alternativa a la producción de las mujeres, lo que cuestiona la homonormatividad vigente en los albores del siglo XX.

Gloria y Eva comienzan su paper dándonos contexto sobre la vida de Rebeca Matte, cómo salió de Chile a la joven edad de 15 años con su padre, para vivir en París, Francia. A lo largo de su vida recibió una educación laica, y entre su selección de libros se podía encontrar a filosofía clásica y a Freud, un tipo de educación y lecturas que no eran propias para una mujer según el conservadurismo imperante en aquel entonces en nuestro país. Gracias a su tiempo en el extranjero y a los esfuerzos de su padre por su educación, Rebecca se desarrolló fuera de las costumbres propias de las mujeres chilenas de la época y ajena a muchas de las dificultades que vivían otras artistas que luchaban por estudiar y hacerse un lugar en la escena artística de Chile.

Retrato de Rebeca Matte Bello. Óleo sobre tela de Vittorio Corcos.

Rebeca estudió y se formó como escultora con en Francia y con Giulio Monteverde en Italia, para luego estudiar en la Academia Julian en París, donde pudo estudiar la figura humana al natural, algo que le hubiera sido negado en la escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, ya que la practica estaba solo reservada para los varones.

Sin duda, para los estándares de la época, Rebeca era considerada un ser masculino, su profesión y sus lecturas no correspondían a las de una señora de la élite, sino que contaba con una amplia biblioteca en la que era posible encontrar autores clásicos de la filosofía y al psicoanalista Sigmund Freud, lo que dotaba a la artista de un imaginario que escapaba a las expectativas de la producción femenina en los inicios del siglo xx.

Monumento a la Aviación o Unidos en la Gloria y la Muerte

La obra que analizan las autoras, es una de las mas conocidas de la escultura: la que conocemos como Unidos en la Gloria y la Muerte. La obra original está emplazada en Río de Janeiro, con el texto “Aviadores” a un lado de la base, en la plaza municipal de la ciudad, regalada por el gobierno de Chile, al gobierno brasileño en 1922, en el marco de la celebración del centenario de la nación.

La segunda versión, que es la que mayormente conocemos, esta llegó al museo de Bellas Artes en 1930 como donación del marido de Rebecca luego de la muerte de esta el año anterior. En Chile Crónicas nos cuentan que esta obra fue trabajada por el artista francés Carlos Vignali, quien trabajó en base a los moldes originales, él mismo le dio además ciertos toques personales que no se aprecian en la versión original de Río de Janeiro.

La historia siempre a estado de acuerdo en que la obra esta basada en la tragedia griega de Ícaro y Dédalo, sin embargo, a propósito de una publicación en la revista “Pacifico Magazine”, Gloria hace una lectura completamente nueva sobre el significado e importancia de la obra.

El matrimonio viril, la pareja de batalla, renacida con la invención de las alas humamanas [sic], conductor y artillero; arma de elevación, arma celeste, manejada con una sola voluntad como la doble lanza del joven griego. El compañero y el compañero; no hay en este momento en el mundo vínculo más noble que este pacto silencioso que hace de dos alas una sola rapidez, una sola proeza y una sola muerte. El más secreto estremecimiento del amor no expresado es nada en comparación de ciertas miradas que, en las horas solemnes de la altura, confirman entre los dos hermanos la fidelidad a la idea, la gravedad del propósito, el sacrificio taciturno de mañana. Ahora la muerte, que debía tomar a los dos, no ha recibido sino a uno, contra el pacto contra la oferta, contra la justicia y contra la gloria.
– parte del poema de Gabriele D’Annunzio

La Inspiración real y el Homoerotismo

Encontraron un artículo escrito por Joaquín Díaz Garcés en la revista en el año 1918, en donde habla de un encuentro con Rebecca Matte. Días Garcés afirma entonces que la inspiración viene de un poema de Gabriele D’Annunzio, parte de la novela “Forse che si, forse che no”.

En este punto, la discusión sobre el nombre de la obra parece relevante, pues ésta ha sido considerada como una alegoría a la aviación y también se ha relacionado con la tragedia griega de Dédalo e Ícaro. No obstante, cuando la historiografía del arte en Chile menciona el monumento, frases como “el compañero sujetando al compañero caído” refieren sólo al honor y la gloria militar sin considerar la carga homoerótica en las palabras del italiano. Asimismo, cabe destacar que en Europa, Gabriele D’Annunzio era reconocido no sólo por su escritura, sino también por su postura política y su ejercicio militar, pues era miembro activo de la aviación y conocido en la élite italiana por su estilo de vida hedonista y su liberalidad sexual

Al respecto de la obra podemos decir que nada o muy poco nos puede indicar que efectivamente los protagonistas sean padre e hijo, los cuerpos son similares en edad y en contextura física, musculosos ambos.

Hablan de esta transgresión, la que sugiere la escultura, basada en el poema, desde el punto de vista de la virilidad militar:

Dicha transgresión fue realizada desde la imagen de la virilidad por antonomasia: el mundo marcial, que ha rehuido de forma discursiva al homoerotismo como práctica entre compañeros de armas. El amor aludido en el poema, ese secreto en el campo de batalla, no tiene que ver con una práctica necesariamente activa de la homosexualidad, sino con la ambigüedad erótica que va de la mano de la camaradería; que gozaría de un estatuto moral superior, “noble”, en la proeza aérea narrada por D’Annunzio y que será motivo de obras posteriores, como La grande illusionuna película francesa dirigida en 1937 por Jean Renoi

Así es como Gloria y Eva nos entregan un análisis completamente nuevo, pero que se sobrepone de alguna manera con los temas contingentes de nuestra sociedad, y como el arte recoge dicha realidad y la traduce en un mensaje que viaja en el tiempo y que representa la vida en la cual estamos inmersos, retrata nuestros problemas, visiones y pensamientos colectivos. Ya se a comienzos del 1900 o en pleno 2017.

Especial de Halloween: El “Arte del Terror” en la pintura

Sin adentrarnos en la historia y los orígenes de la celebración de “Halloween”, y centrándome solo en una de sus características principales: “El Terror y el Miedo”, he querido mostrar una serie de manifestaciones artísticas en torno a estos conceptos horripilantes. Cinco capítulos que mostrarán como diversos artistas nos han manifestado escenarios, personas e ideas que han causado miedo de las más diversas maneras, algunos incluso a tener efectos de pánico en las masas.

En este primer capítulo veremos como la historia de la pintura está plagada de autores que han retratado sus pesadillas, sueños, o simplemente una realidad tétrica del mundo.

 

El Papa (1949) Francis Bacon

El Papa: Es una interpretación del Papa Inocencio X, de Velázquez. Se decía que Francis Bacon disfrutaba pintar después de sus noches de distorsión, y con resaca intentar re organizar el mundo. Bacon admiraba la obra de Velázquez, y convirtió la figura de el “Papa” en el emblema de los horrores cometidos en nombre de la religión a lo largo de la historia. Por eso nos muestra un protagonista absolutamente expresivo, con un rostro huesudo, cadavérico, una imagen realmente fantasmagórica.

 

 

 

Saturno devorando a un hijo (1819-1823) Francisco de Goya
La obra Saturno devorando a un hijo pertenece a la seria Pinturas Negras. La cual muestra al Titán Chronos devorando a uno de sus hijos, según el mito, el titán se comía a sus hijos conforme iban naciendo por miedo a que alguno de estos lo destronara.

Una obra que por su concepción nos habla del miedo, y que además con una imagen horrenda nos muestra un acto macabro de canibalismo, como es el de comerse a su propio hijo.

El tema de Saturno está relacionado, según Freud, con la melancolía y la destrucción, y estos rasgos están presentes en las pinturas negras. Con expresión terrible, Goya nos sitúa ante el horror caníbal de las fauces abiertas, los ojos en blanco, el gigante avejentado y la masa informe del cuerpo sanguinolento del supuesto hijo.El cuadro no solo alude al dios Cronos, que inmutable gobierna el curso del tiempo, sino que también era el rector del séptimo cielo y patrón de los septuagenarios, como lo era ya Goya.

Wikipedia

Judit decapitando a Holofernes (1613) Artemisia Gentileschi
Es una pintura de la italiana Artemisia Gentileschi, muestra una de las escenas del antiguo testamento más representadas en el arte a lo largo de la historia. La composición triangular de la escena es típica del periodo del Renacimiento y mantenida en el Barroco, donde se muestra como Artemisa junto a su criada le cortan el cuello a un general enemigo: Holofernes.

La obra es oscura, y muestra un asesinato a sangre fría, donde la autora lo hace con sus propias manos, con su propia fuerza, no se ve mas que determinación en la expresión del rostro de las perpetradoras, ni un ápice de duda, con una frialdad absolutas.

 

Necronom IV de Hans Rudolf Giger
Es difícil pensar que una criatura así haya salido de la mente de quien haya sido un diseñador de interiores. Pero antes de dedicarse a la pintura, y antes de saltar a la fama en el cine, Hans se dedicaba justamente a eso. Se dice que las pinturas (hechas con aerógrafo) estaba basadas en pesadillas que lo acosaron constantemente. El arte de Necronom IV y otras pinturas similares fueron la base creativa para desarrollar los seres de la saga de peliculas “Alien”, es justo decir que todos los que vimos las películas fuimos presa del miedo que era capaz de generar la historia y las imágenes. De solo mirar la pintura de Hans, incluso sin haber visto las cintas, podemos sentir miedo de la existencia de una criatura así.

 

Pinturas de Zdzislaw Beksinski
El mismo Beksinski calificaba sus pinturas y dibujos de góticos. Marcadamente macabros, oníricos incluso y surrealistas, representan escenarios de muerte, guerra, seres extraños que muchos podríamos interpretar como tenebrosos. Es como ver representada alguna de tus peores pesadillas, donde los monstruos y escenarios que solo ves en tus sueños están ahí, enmarcados.

 

La cara de la guerra (1940) Salvador Dalí
Considerada como una de las obras más impactantes, oscuras y surrealistas de Dalí, fue pintada tras la Guerra Civil Española. La expresión del cráneo decapitado refleja el dolor, el temor, la muerte y el sufrimiento causados la guerra. La obra no solo da miedo en si, sino que también por su concepto, por que despierta los horrores que significa la guerra y la muerte del ser humano.

 

 

Hércules Matando a los Niños atribuida al veronés Alessandro Turchi (1578-1649)

La pintura que actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes, muestra como mata a sus hijos. De grandes proporciones, al mirarla en vivo podemos casi sentir que estamos en presencia del semi dios, aterrorizados por la matanza a los infantes. Podemos ver cómo las mujeres huyen o protegen a los demás niños. Pocas cosas pueden aterrorizarnos mas que la muerte de nuestros propios hijos, o de la maldad de alguien a quien no le importa matar.

Esta escena representa el ataque de locura enviado por la diosa Hera a Hércules. Es en ese momento, que “en medio de la enajenación, el semidiós mata a sus hijos y, probablemente, a dos de sus sobrinos”

– Marianne Wacquez, encargada de Colecciones del MNBA

 

Ilustración de la Torre Entel por Carlos Eulefi
El ilustrador Chileno nos muestra una visión apocalíptica de un Santiago destruido, donde lo único que se ve en pie es la Torre Entel. Un santiago destruido quien sabe por qué catástrofe, no mucho más que un terremoto o un tsunami, que es lo que al parecer estamos acostumbrados, pero no exentos de miedo al respecto por sus devastadoras consecuencias.